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In un momento in cui i film sugli zombi sono diventati un genere unico, è ormai normale vedere un film sugli zombi pubblicato ogni due mesi. Tuttavia, la maggior parte cade preda degli stessi vecchi tropi; la città metropolitana distopica, i non morti che hanno un gusto e una brama inspiegabili per la carne umana e, naturalmente, gli scatti inquietanti di un cielo perennemente coperto. “Cargo”, tuttavia, cerca di elevarsi al di sopra della folla e fare qualcosa di diverso.

La prima incursione alla regia per la coppia Yolanda Ramke e Ben Howling, “Cargo” ha fatto la storia la scorsa settimana, il 18 maggio, quando è diventato il primo film Netflix originale australiano. Adattato in una funzione completa da un cortometraggio con lo stesso nome diventato virale nel 2013 dopo la sua anteprima al festival Tropfest, il film è interpretato da Martin Freeman della fama di “Sherlock” e “Fargo” che interpreta il ruolo principale di un uomo che cerca di trovare un rifugio sicuro per sua figlia in un’Australia post-pandemia.

“Cargo” è stato lodato per la sua cinematografia impeccabile e per la sua nuova interpretazione di un genere collaudato. Il film vanta un sottofondo di messaggi sociali e altre questioni rilevanti, per non parlare della trama corroborante e di una chiusura perfetta. Yolanda e Ben hanno parlato con Meaww e hanno spiegato come un cortometraggio di sette minuti si è trasformato nel film che è oggi.

Potrebbero avere opinioni diverse su molte questioni, ma entrambi concordano sul fatto che non avevano mai immaginato che il loro cortometraggio sarebbe arrivato un giorno sul grande schermo. “No, no, decisamente no”, hanno detto.

“All’epoca stavamo solo esaminando un progetto per il Tropfest e avevano una durata rigorosa di sette minuti per i film. Abbiamo pensato che fosse una sfida fantastica provare a raccontare una storia in un lasso di tempo così breve perché ti costringe per essere economici. E abbiamo pensato che vorremmo provare la nostra mano nel genere zombie e avere un boccone”, ha detto Yolanda.

Alla domanda se la viralità e la popolarità del cortometraggio che ha raccolto 14 milioni di visualizzazioni su YouTube abbia contribuito a influenzare la loro decisione di volerlo adattare al grande schermo, ha risposto affermativamente: “Inizialmente, il nostro pensiero non è andato oltre il cortometraggio; speravamo solo di portarlo in quel particolare festival che aveva un pubblico così vasto perché era un ottimo modo per vederlo”.

“Poi, è finito online e ha raccolto rapidamente trazione. Presto, le persone ci hanno contattato dagli Stati Uniti e agenti e produttori hanno espresso il loro interesse a vederlo trasformato in un lungometraggio. È stato allora che abbiamo iniziato a pensare: ‘Oh, wow . Questa è un’opportunità per pensare a una storia più ampia e a una nuova versione di essa.'”

“Cargo” è unico nel senso che rinuncia alla tradizionale violenza hack-and-slash che accompagna i film sull’apocalisse zombie. Un film ‘zombie’ in virtù di nient’altro che la sua premessa, si concentra invece su alcuni degli aspetti viscerali della natura umana come la comunicazione e la socializzazione. Ben ammette che l’idea di prendere quella direzione è stata concettualizzata durante il processo di ideazione, proprio all’inizio.

“La prima parte delle sessioni di riprese stava solo cercando di disfare ciò che avevamo già visto nei film di zombi e ciò che non abbiamo ancora visto. Sapevamo che avremmo avuto l’angolazione padre-figlia dal cortometraggio, ma la domanda era ‘Qual è il mondo più reale in cui possiamo far funzionare tutti?'”, ha detto.

“Tutti hanno l’abitudine di ricorrere ai telefoni cellulari quando sono nei guai. Quindi, volevamo mostrare quanto qualcuno avrebbe lottato se gli avessimo tolto i telefoni e come avrebbero reagito e sopravvivere. Con alcuni personaggi, volevamo anche ritrarre come hanno ripiegato sulle capacità di base di vivere dei frutti della terra, ma hanno comunque rifiutato di lasciare andare il mondo occidentale e il materialismo”.

Ben ha anche parlato dell’inclusione degli aborigeni del paese nel film e del motivo per cui è stato loro assegnato un ruolo così significativo: “Il punto di vista indigeno aveva molto senso. A livello pratico, molte di queste culture nel mondo hanno un una ricca storia di vita della terra e non sono diversi. Molte delle loro pratiche e tecniche di caccia, come l’uso di maschere di pittura all’argilla per eliminare il loro profumo dagli animali durante la caccia, sono molto efficaci e pratiche”.

Anche l’ambientazione del film salta subito all’occhio. Girato nello splendido scenario dell’Outback australiano, “Cargo” fa un lavoro stellare nel trasmettere il senso di presentimento, solitudine e isolamento che spesso i personaggi provano. Yolanda spiega che il luogo di campagna è stato scolpito nella pietra fin dall’inizio a causa di come hanno messo da parte l’elemento zombi ai margini della storia e di come volevano che la storia si svolgesse.

“Sapevamo che era importante mantenere un senso di tensione intorno al film”, ha detto. “Avevamo questo personaggio che era al passo con i tempi e aveva ore per trovare qualcuno che portasse sua figlia e il modo più ovvio per aumentare la posta in gioco era metterlo in un posto dove non c’è nessuno in giro. Questo rende immediatamente la sua ricerca di aiuto un molto più difficile. Le riprese aeree dell’uomo che è una formica in un vasto paesaggio sono servite anche a sottolineare quanto fosse solitario”. ha continuato, aggiungendo che l’ambientazione li ha anche aiutati a incorporare senza problemi gli indigeni nella storia.

Un altro aspetto che spicca è come, in ‘Cargo’, la trasformazione in uno zombi non viene mostrata nella tipica modalità aggressiva ma attraverso l’uso di immagini suggestive – che si tratti di immagini fisse di linfa appiccicosa, pozze di sangue o l’impulso illogico ficcare la testa nella sabbia. I realizzatori hanno preso la decisione consapevole di rappresentare la prospettiva della vittima invece di utilizzare un approccio in terza persona. E fa miracoli in quanto fa provare empatia al pubblico al posto della paura.

Yolanda ci ha fornito il motivo per cui hanno deciso di seguire quella strada: “Volevamo seguire un personaggio mentre attraversa lentamente questo processo del proprio corpo tradindolo. Penso che sia stata un’idea orribile e anche naturalmente ha fornito questo ticchettare l’elemento dell’orologio nel film che potremmo avere in sottofondo per guidare quel personaggio in avanti e dargli una linea temporale prestabilita per spiegare la storia”, ha detto aggiungendo che era un modo pratico di pensare e qualcosa che non aveva visto nel genere prima.

Nonostante sia quello che molti chiamerebbero un film indipendente, il casting di Martin Freeman nel ruolo principale ha incuriosito molti. Vantando un curriculum che include ruoli nella versione britannica del popolare mockumentary sitcom “The Office”, il dramma criminale “Sherlock” e film come “The Hobbit” e “Black Panther”, la sua inclusione è stata considerata una sorta di colpo di stato La sua interpretazione impeccabile come padre Andy Rose mostra il perché. Ben ricorda come la decisione di contattarlo sia stata più casuale che altro.

“Martin era sempre in cima alla nostra lista quando si trattava di potenziali protagonisti. Mentre stavamo scrivendo la sceneggiatura, stavo solo venendo fuori come una baldoria di Sherlock in quel momento”, ridacchia. “Eravamo consapevoli che stavamo vedendo scelte interessanti nei ruoli che stava assumendo e abbiamo contattato il suo agente con la sceneggiatura”.

Ma giocare con un attore così abile non è stato un processo semplice. Ben dice che inizialmente erano stati informati che Martin era troppo impegnato per assumere un ruolo da protagonista in un film, ma che il loro proverbiale colpo al buio è stato confermato quando l’attore ha esaminato la sceneggiatura e si è interessato alla dinamica padre/figlia della storia. girava intorno.

Yolanda afferma che è stato un piacere lavorare con l’attore esperto e una presenza rassicurante sui set, descrivendo come ha preso la giovane Simone Landers (Thoomi) sotto la sua ala protettrice: “È stata una dinamica interessante perché Martin ha circa 20 anni di esperienza e , per Simone, è stato il suo primo ruolo da attrice. Quindi, erano opposti polari in termini di ciò che stavano portando nel progetto”

“Ciò che è stato meraviglioso per noi è stato il fatto che, sullo schermo, quei personaggi sviluppano una relazione, un rapporto e un legame attraverso la storia, e una cosa simile è successa anche fuori dallo schermo con Simone e Martin”, ha detto.

Ha continuato: “Martin era molto consapevole di quanto fosse importante per la storia, quindi hanno sviluppato un’amicizia e lui l’ha davvero presa sotto la sua ala protettiva. Molte volte l’ha aiutata nelle scene e questo ha reso il nostro lavoro molto più facile. Come regista, molte volte senti di dover intervenire e offrire una direzione, ma non è necessario farlo quando gli attori ne discutono insieme. Non vuoi rompi quell’attenzione e puoi sentire che stanno andando assolutamente nella giusta direzione”.

Le prime impressioni suggerivano che il personaggio di Anthony Hayes, Vic, che era praticamente l’esatto opposto di quello di Martin e Simone, fosse segretamente razzista. Dopotutto, prende di mira gli aborigeni e li usa come esca contro i non morti. Eravamo curiosi di sapere se quel personaggio fosse stato scritto espressamente per uno scopo del genere, per esporre un problema di razzismo casuale che il paese deve ancora affrontare oggi, ma Ben suggerisce che non è giusto dipingere Vic con tratti così ampi.

“Sappiamo tutti della scioccante storia del nostro paese con gli indigeni, ma, no, Vic non era intenzionalmente razzista e prendeva di mira gli aborigeni. Era casualmente razzista, ma era più una battaglia tra loro e lui perché stava cercando di preservare la sua il vecchio modo di vivere negli impianti di fratturazione e estrazione mineraria e gli aborigeni stanno cercando di opporsi e chiuderlo”, sottolineando che, mentre li fa prigionieri, offre lo stesso trattamento anche al personaggio di Martin.

Nonostante il loro recente successo, la coppia rimane umile. Alla domanda se ci fosse qualcuno senza il quale sentivano che il film non sarebbe stato possibile, Yolanda scherza dicendo che potrebbero stare lì per ore a snocciolare nomi. Sembrava sinceramente grata per la troupe esperta e laboriosa che ha dato tutto dietro le quinte, ma sottolinea in particolare gli sforzi dei produttori Kristina Ceyton e Samantha Jennings.

“Il film sicuramente non sarebbe stato realizzato senza quei ragazzi. Sono entrati a far parte del progetto fin dall’inizio e hanno lavorato al progetto per quattro anni mentre lo sviluppavamo. Ci hanno fornito un feedback approfondito sulla sceneggiatura, hanno gestito il finanziamento del film e si sono dati da fare. per aiutarci ad avere l’opportunità di raccontare la nostra storia”, ha detto, ringraziando anche il direttore della fotografia Geoffrey Simpson, la costumista Heather Wallace e il montatore Danny Cooper per i loro sforzi.

Abbiamo parlato con i registi il ​​18 maggio, un giorno che probabilmente avrebbe dovuto essere il più impegnativo della loro vita con l’imminente uscita di “Cargo”. Comprensibilmente, non potevamo tenerli per sempre.

Il film è ora in streaming su Netflix e siamo fiduciosi che qualunque progetto la coppia intraprenderà in futuro si vanterà del tocco abile che ha reso “Cargo” un orologio così elettrizzante ed esilarante.